Piedra que cede de Gabriel Orozco vs Paradojas de la práxis de Francis Alÿs

Cada que caminamos y recorremos una distancia, algo se queda del lugar en nosotros pero tambien algo queda en el lugar impregnado con nuestra presencia.
Gabriel Orozco y Francis Alÿs, de distintas maneras representan esto en sus obras, la piedra que cede y Paradojas de la praxis respectivamente.

gabriel orozco es uno de los artistas mexicanos mas improtantes en cuanto a arte contemporaneo, el numero de obras realizadas por el es muy extenso, y esta obra es un ejemplo de su trabajo artistico y consta de una pelota hecha de plastilina cuyo peso es similar al peso de su cuerpo, esto con la intencion de realizar una metafora del artista como la pelota que transita por su entorno y como este va realizando cambios, y la obra de Francis Alÿs, va recorriendo con un hielo todo el centro hasta que se derrite por completo y se funde con su entorno, es la metafora de como el artista impregna el entorno con sus ideas y sus obras.

Suite Venetianne de Sophie Calle vs Following Piece de Vito Acconci vs Rape de yoko Ono

"Regresé a Francia después de pasar siete años en el extranjero. No conocía a nadie. Me sentía perdida en mi propia ciudad. Así que decidí seguir a desconocidos y que fueran ellos quienes decidieran a donde ir. Siempre he estado organizando ritos en mi vida; la mayoría nunca los he usado para mi trabajo. Hay gente a la que he seguido un año entero, pero no he publicado ni he usado ese material. Un día seguí a un hombre hasta Venecia..."

La vida de Calle palpita con sus trabajos. Su particular forma de ver el mundo es un regalo para la curiosidad, generalmente un tanto anquilosada, y una batalla perdida para nuestro atrevimiento. Pienso que aburrida o asustada de cómo se plantea la sociedad el concepto de cotidianeidad, Sophie Calle intenta escapar y a veces lo consigue. Es como un pico en un encefalograma plano.

en su trabajo refleja su caracter obsesivo, casi manático, una parte de su personalidad, son rasgos que todos en menor o mayor medida los tenemos y muchos artistas toman este concepto de la invasión de la privacidad, mezclada con los arriba mencionados para poder entender la mentalidad humana que por un lado intenta mantenerse ajeno a las personas que intenen pasar esa linea delgada que va de la relacion personal a la invasion, pero a la vez es atraido por invadir a otros, no es coincidencia que reality shows sean tan populares.

artistas como Vito Acconci y Yoko Ono retoman tambien este concepto para explicar desde distintas maneras el tema de la invasión.

This Way Brown de Stanley Brown vs I went de On Kawara

La habitual obsesion de Brown es la geografia, distancia y direccion, escala, medida y dimension. Entre 1960 y 1964 produjo sus series "This Way Brouwn", donde pedía a los transeuntes que dibujaran un mapa de un punto A a otro B, despues se apropiaba del dibujo poniendo un sello con el titulo de su obra. en este ejercicio podemos observar como cada persona se acerca a las cosas de forma distinta y siento que tiene mucho que ver con la manera tambien en que cada persona se acerca al arte, si tomaramos este ejemplo de Brouwn y lo intetaramos comparar a una filosofía del arte, seria a mi parecer, la estética relacional de Bourriaud ya que da mucha importancia a las relaciones que se establecen entre y con los sujetos a quienes se dirige la dinámica artística que a objeto artístico. del mismo modo es la forma en que los peatones tienen para relacionarse con su entorno.

por otro lado el trabajo de On Kawara se encuentra asociada mas al a nocion de tiempo que de espacio, cosa aun mas compleja por ejemplo, con su obra "I went" se sirven de esta convención y la ligan con lo geográfico, con lo cual se toma conciencia de su relatividad: una fecha dada es significativa para cada cual en tanto que le señala un acontecimiento preciso de su vida personal, de su entorno cercano o de su contexto en un sentido más amplio, territorio, ciudad, país. pero si esto lo ligamos a un recorrido dado, junto con un diario de su vida personal, se vuelve una obra dotada de relatividad e ingenio.

Afiches Savages de Daniel Buren vs Condensation Cube y MoMa Poll de Hans Haacke

Daniel Buren en su obra Afiches Savages, de una manera muy simple nos demuestra varios puntos: primero, es una critica a la "sociedad del espectáculo" que se deja atrapar por cada espectacular, anuncio, que pasa frente a sus ojos, esto es enfatizado con lineas de colores, en las calles, para que la gente que no asiste alos museos la vea, y aqui esta el siguiente punto, donde la calle, la sociedad, la pubilicidad y el arte se funden, sale del museo para instalarse en la via pública y generar otro tipo de relación del espectador con la obra, en el momento que esta sale, el publico se siente mas libre para apreciarla y dotarla del significado que quiera, mientras que se encuentra en el museo, está limitada por diversas barreras.

otro artista que tambien hace critica al la institucion del museo es Hans Haacke, pero a diferencia de Buren, lo hace de una manera mas agresiva y dentro del mismo, se infiltra al sistema para atacarlo desde dentro.
he artist Hans Haacke posited this SYSTEM as art: a query, a response algorithm, and its visual feedback.

Would the fact that Governor Rockefeller has not denounced President Nixon's Indochina policy be a reason for you not to vote for him in November ?

todos los votos fueron depositados en una urna de plexi glass, donde la mayoría de los visitantes respondió que si, todo esto causo un gran revuelo ya que el mismo Rockefeller era en ese momento miembro del MOMA y planeaba hacer campaña en ese momento para Presidente.

Como se puede ver, no solamente era cuestión de una crítica al museo, sino que va mas allá se su contexto, se involucra activamente con la sociedad sin miedo a represiones (que le sucedieron mas de una vez).

A mi parecer, el arte debe de ser asi, sutil pero duro, sin ser tibios, para que el espectador realmente pueda pensar lo que sucede a su alredor.

Maintenance Art de Mierle Laderman Ukeles vs Be Clean y Street Cleaning de Hi Red Center

Para la mayoria de la gente, la acción de limpiar, trae connotaciones positivas, pero esta misma acción, tanta para Mierle Laderman como para el grupo Hi Red Center, trae muchos otros significados que les ayudan a crear una critica sobre diferentes puntos de la sociedad.

Mierle Laderman, mediante la limpieza del museo plantea una critica a la institución, una paradoja muy interesante ya que el museo o galeria siempre se nos presenta de forma blanca, pulcra, casi como un lugar sagrado al que vamos solamente a observar arte y contemplar y de alguna forma "deificar" a los artistas que las produjeron, pero Mierle Laderman ve muy diferente todo esto, ella dentro de esta limpiza absoluta, se pone a limpiar minuciosamente, todo el museo, de todos esos "mitos" que le genran ponder ala institucion y que van creando cada vez mas fuerte la hegemonía de unos cuantos artistas y de la ceguera del espectador ante todo esto.

por otro lado, Hi Red Center, hace una crítica a la sociedad, saliendo a las calles y limpiando milimetro por milimetro las calles, justo antes de la olimpiada, creando una paranoia colectiva en la gente, justamente el punto que critica, ese movimiento de masas sacudidas por el miedo a lo desconocido.

Truisms de Jenny Holzer vs Hiroshima y Tijuana de Krzystof Wodiczko

Jenny Holzer trabaja con frases, usando como soportes, edificios, rios, etc. centrando su atención en la apariencia del texto, tamaño, lugar espacial y temporal, atrayendo la atención del espectador al mismo texto, una vez hecho esto, frases como "protect me from what i want" ó "I own you" nos hacen reflexionar sobre el impacto que tiene la publicidad en nuestra vida diaria, es una critica social planteada con la misma formula que critica.


Por otro lado Krzystof, utiliza tambien edificios como soporte, pero les otorga un sentido diferente, se vuelven plataformas para que la gente pueda reflexionar y sentirse de algun modo cercana a lo que le rodea, el monumento deja de verse como algo frio e impersonal para volverse de la gente y para la gente, un ejemplo de esto es la proyeccion en Tijuana donde proyecta en un monumento testimonios sobre la violencia en ese lugar dados por mujeres, el monumento que es esférico se vuelve la cara de la persona que narra su historia.


Otro ejemplo es de de Hiroshima, donde proyecta en el unico edificio que sobrevivió a los ataques, las manos de personas que, al igual que el edificio sobreviven a esta tragedia, y como audio tenemos las narraciones de estas personas, cabe aclarar que no se vuelve una cosa de nota roja, al contrario, los contrastes que el artista le dá y como esta llevado, se vuelve una obra de arte muy sutil y poética, con un gran acercamiento a las personas que rodean este lugar.
siento que Krzystof sabe exactamente que es lo que quiere y sabe perfectamente bien como llegar al publico. La persona que crea que el arte no es para todos, debería de ver las obras de este artista.

The Atlas Group

¿Qué se puede esperar después de una guerra? ¿Cómo se espera que las personas que estuvieron involucradas en ella puedan seguir con sus vidas tapando con un dedo la herida que no para de sangrar?
Después de cada guerra o movimiento bélico, el mundo queda pasmado ante los horrores que la crueldad humana, puede alcanzar. Diversas reacciones surgen ante esto, en el caso de the altas group es reflejar de una maner amuy sutil todos los problemas que trae consigo las guerras, aqui el tema que se toca es Líbano, junto con documentales, videos, ensayos, etc. intenta sensibilizarnos ante una situación que se vuelve el dia a dia de un pais, edificios destruidos, o un relato, es lo que nos ofrece, sin necesidad de imágenes violentas, con puras "evidencias" que ha dejado la guerra es lo que nos mueve a reflexionar y si es posible a actuar.